You're Next (2011)

YOU’RE NEXT

USA 2011

Dt. Erstaufführung: 07.11.2013

Regie: Adam Wingard

Another day, another Home-Invasion-Thriller.

Oberflächlich ist You’re next, der unabhängig produziert wurde und zwei Jahre in der Welt herumwanderte, bis er auch in Deutschland veröffentlicht wurde, nur ein weiterer Subgenrevertreter, der die gängigen Muster bedient: Figuren in einem abgelegenen Anwesen werden von externen Aggressoren bedroht und getötet. Was You’re next von den gradlinigen Brüdern und Schwestern unterscheidet ist seine fast schon fanatische Sucht, den Wahnsinn zu erklären und sein kruder Humor. Dieser gewinnt selbstredend keinen Preis für guten Geschmack und ist auch nicht so konstant ausgeprägt, wie man es sich wünschen würde, aber immerhin gelingt es You’re next, auch dank seinen halsbrecherischen Tempos, das Interesse wach zu halten.

Die wohlhabende Familie Davison trifft sich in ihrem Landhaus: Vater Paul (Bob Moran) und Mutter Aubrey (Barbara Crampton), der introvertierte Sohn Crispian (A.J. Bowen) samt Freundin Erin (Sharni Vinson), sein Jock-Bruder Drake (Joe Swanberg) mit Frau Kelly (Margaret Laney), der jüngste Sohn Felix (Nicholas Tucci) mit seiner desinteressierten Freundin Zee (Wendy Glenn) sowie Nesthäkchen Aimee (Amy Seimetz) mit Intellektuellen-Freund Tariq (Ti West). Als die dysfunktionalen Davisons abends zum Essen beisammen sitzen werden sie plötzlich aus der Dunkelheit vor dem Haus heraus beschossen. Schnell wird klar, dass maskierte Unbekannte sich augenscheinlich in den Kopf gesetzt haben, die gesamte Familie auszulöschen. Die Frage nach dem Warum stellt sich ob der perfiden Fallen, die jeden an der Flucht hindern, nur schleppend …

Der größte Fehler von You’re next wird gleich im ersten Akt begangen: der Film kann es wie ein hibbeliger Teenager kaum aushalten, endlich zum (ersten) Schuss zu kommen und versäumt es so zu bemerken, dass gerade in seiner Schilderung der wenig funktionalen Familie, der internen Konflikte und den nie ganz aus der Welt geschafften Reibereien zwischen den Geschwistern, sein größtes Potenzial liegt. Man erfährt, dass Crispian und Drake immer wieder aneinandergeraten, dass die Familie Crispian als schwarzes Schaf sieht, die Charaktere gerade der Eltern bleiben darüber hinaus aber weitestgehend im Dunkeln. So hätte man sich eine sehr viel längere Version der Dinnersequenz gewünscht, mit mehr schwellenden Konflikten, mehr herrlich-bekloppten Sätzen wie „Ein Underground-Filmfestival? Werden die Filme da unter der Erde gezeigt?“ und einfach mehr Zeit mit dieser Familie, mehr Zeit für die Etablierung ihrer Dynamiken. Doch der erste Schuss fällt schnell, räumt gleich den einzigen nicht-weißen (und augenscheinlich intelligentesten) Charakter aus dem Weg (ein Kommentar zu den Unsitten den Genres an sich?) und lässt fortan kaum Zeit für etwas anderes als flotten und fiesen Wahnsinn. Dies hängt dem mit knapp 80 Minuten ohnehin sehr kurz geratenen Film bis zum Schluss nach, was auch eine Leistung ist: das charakterliche Potenzial ist so groß, dass man lieber den „normalen“ Interaktionen beiwohnen möchte anstatt den „unnormalen“, die man vom Genre erwartet.

Dabei liefert der Film auch eine immer weiter ausufernde Erklärung, was hinter den Anschlägen steckt, die so wenig und so sehr hanebüchen ist, wie man es erwartet. Warum die Killer diese unpraktischen Masken tragen, die teilweise das Sichtfeld extrem einschränken dürften? Egal. Was die titelgebende Proklamation beim „opening kill“ soll, außer die Arbeit für eine Title Card zu sparen? Auch egal. Was der Film aber sehr genau kennt sind seine Vorbilder, die Genrefilme der 1970er Jahre, die sich hier in der Tötungskreativität niederschlagen, sowie die Musik von John Carpenter. Es dürfte nicht von ungefähr kommen, dass das Theme des Films sofort Assoziationen an einen der Horrorgroßmeister weckt – dementsprechend groß ist die Freude, wann immer es ertönt.

Will man mehr in den nicht zu Unrecht ab 18 freigegebenen Film hineinlesen entdeckt man ein kapitalismuskritisches Moment, quasi richtet die Profitgier die Menschen dahin. Doch an Diskursen ist You’re next in etwa so interessiert wie Drake an einer fruchtbaren Diskussion über Kunst. Der Film ist das filmische Äquivalent zu einem ausgeklügelten Jahrmarktfahrgeschäft (nein, keine Achterbahn, eher eine Geisterbahn): es macht Spaß, damit zu fahren, es ist durchdacht und liefert genau das, was man erwartet. Am Ende steht keine Erkenntnis über irgendetwas, aber man hatte zumindest eine gute Zeit. Sollte ein Director’s Cut existieren, der zur Abwechslung nicht mehr Gewalt sondern mehr Charakterszenen enthält, er wäre eine Veröffentlichung wert. You’re next ist gemein, unterhaltsam und mit viel Hingabe zum Genre inszeniert. Belanglos? Natürlich. Aber im weiten Feld der Home-Invasions sticht er dennoch durch seine lockere und gleichzeitig sichere Handschrift heraus.

Die Nacht der reitenden Leichen (1972)

DIE NACHT DER REITENDEN LEICHEN

(La Noche del terror ciego)

Spanien/Portugal 1972

Dt. Erstaufführung: 29.09.1972

Regie: Amando de Ossorio

Mit einem klingenden Titel wie Die Nacht der reitenden Leichen muss es nicht verwundern, dass der von Amando de Ossorio inszenierte Film zum Kult und zu einem Symbol der Zensurbestrebungen des damaligen Westdeutschlands wurde. Gewalt dominiert den Film zwar nicht, aber auch heute sind einzelne Implikationen, trotz Blutes aus dem Tuschkasten, noch ziemlich wirkungsvoll. Die rituelle Opferung einer jungen Frau funktioniert in ihrer misogynen Rohheit noch heute, einen Feminismus-Preis wird das eindeutig ausbeuterische Werk selbstredend weder dafür noch für sonst eine Darstellung erhalten. Was Die Nacht der reitenden Leichen allerdings erstaunlicherweise sehenswert macht, ist das sichere Gespür de Ossorios für Atmosphäre. Die Stimmung ist unheimlich, die Soundgestaltung spannend, vor allem das Set der verfallenen Templer-Burg großartig in Szene gesetzt. Die Nacht der reitenden Leichen weiß zwar nicht so ganz, was er eigentlich sein will, ob suggestiver Geisterfilm, polternder Zombiestreifen oder lasziver Vampirfilm, und auch mangelt es ihm an sympathischen Figuren, aber – und das ist wohl das bemerkenswerteste an dem ganzen Unterfangen – er kann durch de Ossorios sichere Regie das Interesse bis zum Ende aufrecht erhalten.

Virginia (María Elena Arpón) ist in Spanien unterwegs und trifft ihre alte Jugendaffäre Bella (Lone Fleming) und ihren schmierigen Freund Roger (César Burner) in einem Hotel. Gemeinsam bestreiten sie den Rest ihrer Reiseetappe per Zug, bis Virginia ihn wegen eines Streits in einer gottverlassenen Gegend verlässt. Sie findet Unterschlupf für die Nacht in einem verfallenen Gemäuer, dass von den Einwohnern der Gegend aufs strengste gemieden wird. Bald stellt sich auch heraus, warum dem so ist: die Leichen von Tempelrittern, die dereinst blutige Menschenopfer auf ihrer Burg darbrachten, um ihrem okkulten Glauben zu frönen, steigen aus ihren Gräbern und begeben sich auf die Suche nach neuen Opfern. Am nächsten Tag machen sich Bella und Roger auf die Suche nach ihrer Freundin und kommen langsam hinter das Geheimnis der sich gerne auf dem Pferd fortbewegenden Untoten …

Die Nacht der reitenden Leichen ist ein trashiges Gruselmär, ohne Frage. De Ossorio reichert seine Geschichte, die sich auch ein bisschen als Parabel auf die faschistische Vergangenheit Spaniens lesen lässt, als Vergangenheit, die so schrecklich ist, dass sie sich immer wieder manifestiert und die Menschen terrorisiert, mit allerlei Einfällen an, die das damalige Horrorpublikum wahrscheinlich vollends befriedigt haben dürften: Wiedergänger, Blut, zerfallene Körper, Verstümmelungen plus die Genrebeigaben nackte Frauenkörper, lesbischer Sex und – als extra stumpfes Schmankerl – Vergewaltigungsversuche durch einen besonders kruden Charakter. Das Ganze ist nicht schön, wird aber derartig schlecht von den Schauspielern verkörpert, dass es sich mitunter schon wie eine Parodie anfühlt. So sicher die Atmosphärenbildung klappt, so wenig kann de Ossorio etwas mit Schauspielerführung anfangen. Teilweise stümpern sich die Darsteller derartig durch die Szenen, dass es wirkt, als habe man vorher lediglich den groben Ablauf besprochen und sie sich dann sich selbst überlassen. In anderen hat man Typen gecastet, die man sich ohne die heimliche Absicht, besonders albern zu sein, gar nicht anders erklären kann (Stichwort: Gerichtsmediziner).

So zerfällt Die Nacht der reitenden Leichen im Grunde genommen in zwei Filme, einen stimmigen Horrorfilm alter Schule und ein billiges Trashfest mit miesen Darstellern und exploitativer Gesinnung. Aus dem Spannungsfeld zwischen doof und faszinierend zieht er denn auch mehr Anziehungskraft auf sich, als man ihm zugetraut hätte. Die Nacht der reitenden Leichen ist Quatsch in einer schimmernden, weil bemerkenswert funktionalen Verpackung, die durch das geradezu nihilistische Ende noch verstärkt wird.

The Nightmare (2015)

THE NIGHTMARE

USA 2015

Dt. Erstaufführung: 01.10.2015 (VOD-Premiere/Netflix Deutschland)

Regie: Rodney Ascher

Es ist eine allgemeine Binsenweisheit, dass die Realität erschreckender ist als alle Filmbilder, die das Horrorgenre produzieren kann. Obschon man in Anbetracht fiktionaler Alptraumstoffe wie Alien – Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt oder The Blair Witch Project dies in Frage stellen kann, so sehr muss man konstatieren, dass es zumindest als Verkaufsargument taugt. Jeder zweitklassige Geister- oder Dämonenfilm brüstet sich gefühlt inzwischen mit dem Zusatz „Basierend auf/Inspiriert von realen Ereignissen“. Dies ist meist ein billiges Argument, dass oft weder der Wahrheit entspricht, noch mit einer echten Genreauseinandersetzung einher geht. Leon Thomas stellte in seiner Analyseserie Renegade Cut nicht ohne Grund die Frage, warum in Exorzistenfilmen die Existenz der dämonischen Entität nie ernsthaft in Frage gestellt wird und ob es nicht beängstigender wäre, würde man die Besessenheit auch einmal als Ergebnis der menschlichen Hirnaktivität darstellen. In gewisser Weise ist The Nightmare genau dieser Film. Technisch eine Dokumentation über die Schlaflähmung, bedient sich der Film nicht nur aus dem Fundus des Horrorfilms, um sein Sujet zu illustrieren, er ist auch – eben weil er mit beiden Beinen in der Wirklichkeit verankert ist – zutiefst verstörend und schlicht furchterregend.

Die Schlaflähmung ist eine dieser seltenen Kapriolen des menschlichen Gehirns, die, obwohl wissenschaftlich bekannt, nicht wirklich zufriedenstellend erforscht ist. So treten in The Nightmare ausschließlich Betroffene auf, es wird kein Arzt oder sonstiger Sachverständiger zu Rate gezogen und interviewt. Die Erklärung liefern die tatsächlich Interviewpartner: sie fühlen sich von den Ärzten nicht für voll genommen, wurden mit Standardphrasen („Machen Sie sich weniger Stress.“) abgespeist und die für die Patienten traumatischen Ereignisse wurden also „nicht so gravierend“ eingestuft.

Bei der Lähmung befinden sich die Betroffenen des Nachts in einer Art Trancezustand zwischen Wachen und Schlafen. Sie können sich weder bewegen noch sprechen, sind aber bei vollem Bewusstsein und werden von alptraumhaften Wesen bedrängt, die aus den Tiefen ihres Unterbewusstseins drängen. Was sich in der Beschreibung noch vergleichsweise trocken anhört wird in The Nightmare minuziös nachgestellt: dreidimensionale Schatten, Baumhohe Dämonen mit roten Augen, Entitäten, die den generischen grauen Außerirdischen aus den Entführungsberichten verdächtig ähneln – sie alle brechen nachspürbar über den Zuschauer herein und erzeugen ein tiefes Gefühl der Verunsicherung.

Das alles ist gekonnt inszeniert, Rodney Ascher, der Regisseur des vergnüglichen Room 237, zieht alle visuellen und dramaturgischen Register, um den Zuschauer die Angst nahe zu bringen, die Betroffene der Schlaflähmung empfinden müssen. Die Interviews sind konsequent in weniger gut beleuchteten Räumen durchgeführt, oft befinden sich die Menschen am Ort der Pein, sprich ihrem Bett. Wenn einer der Mitwirkenden von einem Erlebnis berichtet, dass ihm als Kleinkind widerfahren ist und er sich unwillkürlich in den dunklen Raum hinter ihm umdreht, um sicherzugehen dass die Wesen, die er gesehen hat, nicht wiederkehren, dann ist das allein bereits ein Moment, in dem sich die Angst auf den Zuschauer überträgt.

Man kann und darf The Nightmare aufgrund der Thematik und des bewussten Verzichts auf eine medizinische Einordnung dem Exploitationfilm nahe stehend empfinden, vielleicht sogar voyeuristisch, profitiert doch die Angstlust des Zuschauers von den Erzählungen der Patienten. Doch es wird immer wieder gewahr, dass sich die Betroffenen hier auch ein Stück weit selbst therapieren, eben auch weil die Ärzte ihr Leiden nicht einzuordnen wissen und dementsprechend herunterspielen. Nach The Nightmare wird wohl niemand auch nur auf die Idee kommen, die Wirkungen der Schlaflähmung zu negieren. Es ist der nachvollziehbare Versuch eines kleinen Kreises, die Mehrheit über ihr Leiden zu informieren (auch Regisseur Ascher hat seine Erfahrungen mit dem Phänomen).

Dieser Versuch führt, dazu sind die Protagonisten am Ende zu sehr US-Amerikaner, zu einigen kuriosen Erklärungsansätzen. Eine der Patientinnen glaubt, die nächtlichen Besucher aus den Tiefen ihres Hirns durch die Anrufung von Jesus in Schach zu halten und wurde so zur leidenschaftlichen Christin, ein anderer glaubt nicht daran, dass das Phänomen nur ein Produkt des menschlichen Gehirn ist und hält es für die Manifestierung einer größeren Sache, als Ausdruck womöglich einer Multidimensionalität, wie Ascher an einer Stelle in den Raum wirft. Diese Episoden sind gleichermaßen faszinierend wie grotesk, im Großen und Ganzen aber ist The Nightmare ein hocheffektiver Film, der gleichermaßen über die scheinbar unbegrenzten, nicht immer positiven Möglichkeiten des menschlichen Gehirn informiert wie den Zuschauer so schockiert, wie es viele „richtige“ Horrorfilme nie vermögen. The Nightmare ist genau das – ein alptraumhafter Hybrid aus Horror und Dokumentarfilm, der auch dadurch so gut funktioniert, weil es Ascher gelingt, diese gegensätzlichen Genres so gekonnt miteinander zu verbinden.

Spiel oder stirb AKA Them (2006)

SPIEL ODER STIRB aka THEM

(Ils)

Frankreich/Rumänien 2006

Dt. Erstaufführung: 27.04.2007 (DVD-Premiere)

Regie: David Moreau & Xavier Palud

Eins der vielen Untergenres des Horrorfilms ist der Home-Invasion-Thriller. Wie der Name schon andeutet geht es um das Grauen, das in die eigenen, als sicher empfundenen vier Wände eindringt und mal mit mehr, mal mit weniger nachvollziehbaren Motivationen das Leben der Protagonisten bedroht. Der französische Horrorfilm neueren Datums hat ein Faible für dieses Konstrukt, sind doch gerade die Vertreter der (durchaus fragwürdigen) „New French Extremity“ wie High Tension, Inside oder Martyrs zumindest partiell Home-Invasions. Der in Deutschland holprig benannte Spiel oder stirb nimmt die funktionaleren Elemente des Subgenres und schustert sie zumindest mit kleineren Überraschungen versehen durchaus spannend zusammen. Löblich ist außerdem, dass er im Gegensatz zu seinen nationalen Verwandten auf übermäßige Gewaltexzesse verzichtet. Gorehounds werden enttäuscht, es gibt keine abgetrennte Köpfe, vivizierte Schwangere oder lebendig Gehäutete. Spiel oder stirb hat sich mehr einer bedrohlichen Atmosphäre verschrieben, die, im Gegensatz beispielsweise zum US-Pendant The Strangers, funktioniert. Letztlich fällt der Film gerade durch seine Konklusion dann aber doch in zwei Teile auseinander: in einen spannenden Thriller und in einen Film, der die tendenziell phobische Weltsicht vieler Horrorfilme geradezu genüsslich bekräftigt.

Clémentine (Olivia Bonamy) ist Französichlehrerin in Bukarest, Rumänien. Zusammen mit ihrem Freund Lucas (Michaël Cohen), einem aufstrebenden Autor, bewohnt sie ein großzügiges Anwesen vor den Toren der Stadt. Eines Abends bekommt das Paar unangemeldeten und vor allem unangenehmen Besuch: durch ihre Hoodies unkenntliche Gestalten dringen in das Haus ein und beginnen, die beiden Franzosen zu terrorisieren.

Der Plot ist, wie könnte es sein, minimalistisch wie die Inhaltsangabe. Mehr gibt es ohnehin nicht zu sagen (Spiel oder stirb leistet sich keinen aufgeblasenen Überbau wie The Purge – Die Säuberung, auch nur ein Home-Invasion-Thriller der stupideren Variante). In diesen klar definierten Grenzen schlägt sich der Film dann recht gut, weil er die Angriffe spannend inszeniert und die beiden Hauptfiguren eine gewisse Chemie vorzuweisen haben. Besonders hervorzuheben ist auch, dass Spiel oder stirb auf einen plakativen Soundtrack US-amerikanischer Manier verzichtet. Wenn Clémentine durch die noch in der Renovierung befindlichen Teile des Anwesens schleicht und einer der Aggressoren schließlich hinter ihr ins Bild gerät, plärrt kein musikalischer Stinger auf, vorher hat nicht eine bedeutungsschwangere Musik seit Minuten einen kalkulierten Schock angekündigt. Es reicht dem Film, den Zuschauer mit den Figuren in die Situation zu versetzten und setzt auf dessen Empathie, anstatt ihm ständig die Angstgefühle zu diktieren. So trägt auch die Tatsache, dass die Eindringlinge keine unverwundbaren Übermenschen sind, die bei belieben an jedem Ort auftauchen können, zur Atmosphärenbildung bei.

Spiel oder stirb ist prämissenbedingt mit einem wenig versöhnlichen Ende ausgestattet. [Es folgen Spolier] Die Aggressoren entpuppen sich als verwahrloste Kinder, die mit ihren Opfern ein nicht näher definiertes Spiel spielen und dessen Regeln von Clémentine und Lucas nicht zur Zufriedenstellung befolgt wurden, was wiederum den Terror – zumindest in den Augen der Jugendlichen – legitimiert. Dies spiegelt zum einen natürlich das ewig junge Motiv der Angst vor dem Anderen wider, vor der Unberechenbarkeit der Mitmenschen, transportiert aber auch eine gewisse xenophobische Weltsicht, in der sich Regisseure wie Eli Roth (Hostel) bestimmt wiederfinden können. Osteuropa ist wieder einmal ein Ort, an dem Menschen aus dem Westen des Kontinents sich ihres Lebens nicht sicher sein können und die Aggression wird auch noch auf die Ärmsten der Armen projiziert. „Wohlwollend“ könnte man darin eine Anklage gegen die ungleiche Verteilung von Chancen sehen, ein gewaltvolles Aufbegehren gegen Clémentine als Symbol einer Privilegierten, die anderen Privilegierten (ihren Schulkindern, die in der Hauptstadt eine umfassende Bildung genießen) die Welt näher bringt, während andere perspektivlos in den Tag (und die Nacht) hinein leben. Oder eben eine Angst vor denen, die nichts haben, ihrem (zunächst einmal unterstellten) Neid, der sich in der Logik des Horrorfilms in Gewalt manifestiert. Es ist letztlich Definitionssache, ob man Spiel oder stirb als „üblichen“ Genrevertreter ansieht, über dessen Implikationen man nicht zu sehr nachdenken soll, es bleibt aber ein eindeutiges „Geschmäckle“. So funktioniert Spiel oder stirb zwar auf der Thrillerebene sehr gut, darüber hinaus lässt er aber eine weiterreichende Auseinandersetzung, die die Prämisse hergegeben hätte, vermissen. Das Drehbuch mag auf der wahren Geschichte eines österreichischen Ehepaars beruhen, dass in ihrem Ferienhaus in Rumänien von Jugendlichen ermordet wurde, aber die komplette Weigerung, auch daraus irgendeine Art von weiterreichender Idee zu ziehen lässt den Film etwas hohler erscheinen, als er es ob der handwerklichen Qualität und der Atmosphärenbildung verdient hätte.