Sinister - Wenn du ihn siehst, bist du schon verloren (2012)

SINISTER – WENN DU IHN SIEHST, BIST DU SCHON VERLOREN

(Sinister)

USA 2012

Dt. Erstaufführung: 22.11.2012

Regie: Scott Derrickson

Sinister, in Deutschland mal wieder durch einen beeindruckend holprigen Untertitel „bereichert“, ist ein „Schlummerfilm“. Zum einen ist damit gemeint, dass es sich um die übliche Genre-Schlaftablette handelt, er also schlicht langweilig ist, zum anderen schlummert in ihm das Zeug zu einem großartigen Horrorthriller. Man sehnt sich wieder einmal nach dem Film, der Sinister hätte sein können, weil das, was man geboten bekommt, so frustrierend nach dem Malen-nach-Zahlen-Prinzip funktioniert.

Der ehrgeizige True Crime-Schriftsteller Ellison Oswalt (Ethan Hawke) zieht mit seiner Frau und den beiden Kindern zwecks Recherche für sein neues Buch in ein Haus, in dessen Garten eine vierköpfige Familie an einem Baum aufgeknüpft wurde; vom dritten Kind fehlt jede Spur. Auf dem Dachboden findet er schon bald eine Kiste mit Super-8-Filmen, jeder von ihnen zeigt einen Mord an einer Familie quer durch die Jahrzehnte – auch den im Garten von Ellisons jetziger Residenz. Da die örtliche Polizei wegen der Darstellung ihrer Arbeit in den bisherigen Büchern nicht gut auf ihn zu sprechen ist, alarmiert der Autor sie nicht, sondern stellt eigenhändige  Nachforschungen an. Damit geraten er und seine Familie immer weiter in die Fänge einer dämonischen Entität namens Bughuul, die die Filme nutzt um seine finsteren Pläne in die Tat umzusetzen …

Sinister ist ein Horrorfilm ohne eigene Handschrift. Diese versucht er beispielsweise durch ein enervierendes und schlicht überflüssiges Sounddesign vorzutäuschen. Das übliche Problem modernen Horrors, den Zuschauer ständig durch Geräusche und stumpfe Musik-Stinger zu „motivieren“, sich doch zu erschrecken, wird hier besonders ausgereizt. Wenn Ellison sich die Home-Snuff-Videos anschaut, quäkt ein als suggestiv verstanden werden wollender Soundtrack, den visuellen Einfällen wird niemals so weit vertraut, als dass sie ohne musikalischen Paukenschlag auskommen würden. Sinister erreicht so genau das Gegenteil seiner Intention: spannend ist das Dargebotene nicht. Zu sehr verlässt sich der überraschend finanziell ziemlich erfolgreiche Film auf die üblichen Klischees, lässt seine Figuren wie die gängigen Idioten aussehen (trotz monetärer Engpässe könnte man doch mal für fünf Minuten das Licht anknipsen, oder?) und lässt dem Zuschauer genug Raum, damit er sich nicht gerade zuträgliche Fragen stellt: Wieso verlässt sich Bughuul so auf Super-8-Filme? Läuft er damit nicht Gefahr, irgendwann auf keine Menschen mehr zu treffen, die den Projektor noch bedienen können? Wie hat er seine Bilder vorher in Umlauf gebracht, wenn sie ihm als Portal in seine Welt dienen? Was sind seine Raten, wo sind all die Kinder, die er in den Jahrhunderten zuvor entführt hat? Und was soll das Ganze überhaupt? Warum wählt er so einen Aufmerksamkeitsheischenden Auftritt, der vor allem erst mal die Erwachsenen betrifft? Soll man die Morde als Initiationsritus verstehen? Und wenn es nur dazu dient, weitere Opfer anzulocken bzw. freien Wohnraum für sie zu schaffen – was macht der dämliche Dämon dann, wenn ein kinderloses Paar einzieht, eines, das womöglich nicht einmal Kinder in der Verwandtschaft hat? Eben weil Sinister so stereotyp gestaltet ist hat man genügend Zeit, sich all diese an sich unterhaltsamen Gedanken zu machen. Der Genreintention tut so etwas nie gut.

Das Potenzial von Sinister steckt in seiner Möglichkeit, ein wahrlich suggestiver Film sein zu können. Weniger konkrete Entität, mehr Psychospiel in die Richtung „Driftet Ellison langsam in den Wahnsinn ab? Ergreifen seine reellen Schreckensgeschichten langsam von ihm Besitz? Wird er zu einem Bughuul, weil der Schrecken der Realität ihn verrückt macht?“ Es ist nicht schwer sich vorzustellen, wie Sinister hätte aussehen können, wenn der Film nicht so plakativ an seiner Dämonen-Geschichte festgehalten hätte, zumal er auch nicht die Größe hat, um darüber hinwegzutäuschen, dass diese Art Film die unhinterfragte Konzeption einer Seele immer für bare Münze nimmt. So aber bleibt nur ein wenig involvierender Horrorfilm mit bemerkenswert schlafwandelnden Darstellern (Ethan Hawke merkt man an, dass er mit solchen Filmen die Miete bezahlt, während ihm Linklater-Filme wirklich am Herzen liegen), viel knirschenden Mumbo-Jumbo (der teilweise sinnlos ins Leere führt, z.B. die dramaturgisch nicht notwendige Nachtangst des Sohnes) und gegen null tendierender Suspense. Sinister ist an Sinister nur, dass so etwas immer wieder als Genrekleinod gefeiert wird.

 

Sue, Dinosaurier Nr. 13 (2014)

SUE, DINOSAURIER NR. 13

(Dinosaur 13)

USA 2014

Dt. Erstaufführung: 12.09.2015 (TV-Premiere)

Regie: Todd Douglas Miller

Wer Anfang der 1990er Jahre die prominent im ZDF ausgestrahlte Serie Dinosaurier gesehen hat und sich im Zuge der aufbauenden Dino-Manie dank Jurassic Park dem Hype ohnehin nicht entziehen konnte, der wird sicherlich bereits etwas über den Tyrannosaurus Rex namens Sue gehört haben. Das bis dato dreizehnte Skelett dieser berühmten Dinosaurierart war auch das am Besten konservierteste. Knapp 80% der Knochen waren erhalten geblieben, unter anderem auch der komplette Schädel. „Sue“ wurde schnell ein feststehender Begriff. Doch danach wurde es, zumindest in Europa, informationstechnisch ruhiger um den Fund, zumindest in der auflagenstarken Presse spielte sie keine Rolle mehr. Der Film Sue, Dinosaurier Nr. 13, der in Deutschland stillschweigend zum ersten Mal auf dem seinem Ruf immer wieder gerecht werdenden Kultursender arte ausgestrahlt wurde, bringt über ein Jahrzehnt nach dem Ende der Knochenodyssee dem interessierten Zuschauer die komplette Geschichte näher. Denn Sues Entdeckung war erst der Beginn.

Sue, Dinosaurier Nr. 13 beginnt wie ein dokumentarischer Kurzfilm, erzählt von den Mitgliedern eines Betriebes in South Dakota unter der Führung der Gebrüder Larson, die Fossilien sammeln und ggf. weiterverkaufen, aber dennoch vom Fach sind und auch einen wissenschaftlichen Anspruch verfolgen – und von der Hobby-Paläontologin Susan Hendricksen, die eines Tages den nach ihr benannten Dinosaurier auf dem Land des amerikanischen Ureinwohners Maurice Williams entdeckt. In ansteckend-begeisterten Ton präsentiert der Film die Fakten, vermittelt dank Originalvideoaufnahmen von der Fundstelle einen Eindruck von den beginnenden Konservierungsarbeiten und wie die Forscher den bis dato unerreichten Betrag von 5.000 Dollar an Williams zahlen, um Sue in ihr Institut überführen zu dürfen. Soweit, so gut. Bis dahin hält sich der Film an den begeisterten Duktus, den Dinosaurier in jenen Tagen schlicht hervorriefen, nach einer Schwarzblende beginnt jedoch die eigentliche Geschichte. Denn nachdem Sue zwei Jahre von den Gebrüdern Larson und ihren Mitarbeitern untersucht und präpariert und auf ihre Ausstellung in einem geplanten lokalen Museum vorbereitet wurde, beschlagnahmt das FBI alle Knochen und befördert sie in eine Asservatenkamera. Was folgt ist ein juristisches Tauziehen, das einen für Europäer schrägen Blick auf das amerikanische System der Landverwaltung wirft, sobald Ureinwohner involviert sind. Denn Verkäufe von allem, was aus dem von den USA treuhändlerisch verwalten Grund und Boden der Native Americans stammt, sind ohne ausdrückliche Genehmigung verboten. Sue, Dinosaurier Nr. 13 erzählt nüchtern und ohne anklagenden Finger die Ereignisse, klärt über die mitunter kruden Bestimmungen im Rechtssystem auf und zeigt deutlich, dass mitunter hanebüchene und reformbedürftige Gesetze eine wissenschaftliche Sensation in Gefahr bringen können.

So wandelt sich der Film von einer Dinosaurier-Dokumentation zu einem Justizthriller mitsamt Showdown, wenn Sue bei Sotheby’s unter den Hammer kommt. Die ganze wahnwitzige Bandbreite dieser Entscheidung wird gewahr, wenn man sich vorstellt, das Skelett wäre schlussendlich bei einem privaten Sammler mit dem nötigen Kleingeld gelandet, der Sue vor dem Zugriff der Wissenschaft und der interessierten Öffentlichkeit hätte abschotten können. Die paläontologische Sensation gerät dabei etwas ins Hintertreffen (so wird im Film beispielsweise Sues Beitrag zur Forschung zwar erwähnt, aber nicht konkretisiert. Zumindest mit nichts, was über die seltene Vollständigkeit des Skeletts hinaus geht), spannend und erstaunlich bleibt der Film, auch dank der vielen Originalaufnahmen, dennoch. Es ist einer dieser Dokumentarfilme, bei dem selbst Fans der Materie noch etwas dazulernen können. Experimentell ist nichts daran, es gibt die talking heads vor passenden Kulissen, eine chronologische Dramaturgie, keine Effekthascherei. Sue, Dinosaurier Nr. 13 ist ein gradliniger, beinahe altmodischer Dokumentarfilm, der die nötige Distanz wahrt, aber immer noch involviert genug ist, um nicht in Beliebigkeit zu versinken. Und es ist, bei aller Fan-Liebe, die man für Jurassic World empfinden mag, der interessantere Dinosaurierfilm des Jahres 2015.

Kingsman - The Secret Service (2014)

KINGSMAN – THE SECRET SERVICE

Großbritannien/USA 2014

Dt. Erstaufführung: 12.03.2015

Regie: Matthew Vaughn

Mark Millar schreibt furchtbare Comics.

Ja, es musste in aller Deutlichkeit gesagt werden. Wieder einmal. Denn auch der Überraschungshit Kingsman basiert auf einer von ihm geschriebenen Geschichte und wie der unsägliche Kick-Ass 2 (der erste Teil ist im Vergleich noch sehenswert) und der beeindruckend dumme Wanted ist dies eine Verschwendung von Talent, Ressourcen und Zeit. Reaktionär, kleingeistig und – zur „Würzung“ im rechten Moment – „ironisch-sexistisch“ ist Kingsman einer der bisher schlechtesten Filme des Jahres. Viel Geld einzuspielen ist eben kein Kriterium.

Um eine alte Schuld wiedergutzumachen rekrutiert der Gentleman-Agent Galahad (Colin Firth) den Proletarier Eggsy (Taron Egerton), um ihn bei den „Kingsmen“, einer – wie könnte es anders sein – strenggeheimen Vereinigung unterzubringen, die im Verdeckten turnusmäßig die Welt rettet. Und gerade als der vorgebliche Philanthrop Richmond Valentine (Samuel L. Jackson) mit einem kruden Plan die Menschheit zu Gunsten des Planeten fast vollständig ausradieren will, kann Eggsy zeigen, was er kann.

Gar nicht so tief unter seiner Oberfläche schlummert in Kingsman eine süffisante Agentenfilmparodie. Der Plan des Facebook-Moguls Marc Zuckerberg nachempfundenen Velntine ist derartig wahnwitzig und obskur, dass er, auch und gerade wegen seiner planerischen Plotholes, sofort als parodistisches Element zu durchschauen ist. Das gleiche gilt für die satirischen Bestandsteile – ein Schelm, wer böses dabei denkt, dass das Ende der Menschheit durch einen Internetmilliardär und dessen vermeintlich saubere und freundliche Technik ausgelöst werden soll. In seinem Größenwahn ist dies der Stoff, aus dem schon in den 1960er Jahren Pulp-Antagonisten geboren wurden. So weit, so schön.

Doch schnell wird gewahr, dass es hier weniger um die genüssliche Dekonstruktion von Genre-Klischees geht, sondern um das Abspielen der altbekannten Exzesse, die schon Wanted oder den ähnlich hohlen Shoot `em up kennzeichneten. Kingsman labt sich an seiner Gewalt, bleibt stets auf der Ebene eines unreflektierten Cartoons, präsentiert „coole“ Gefechte, die dem menschlichen Körper nicht gut tun und redet sich damit heraus, dass es ja nur die bad guys trifft. Wenn sich Colin Firth durchaus beeindruckend choreographiert durch den Mob einer Hate Church kämpft, dann trifft es in der Logik des Films selbstredend nur „die Richtigen“, das weiterreichende satirische Element wie in dem von der Intention ähnlich gelagerten God Bless America geht verloren (dabei ist diese Szene im Gegensatz zum Comic noch „entschärft“, weil es Rassisten und Homophobe trifft und nicht die Teilnehmer einer Massenhochzeit). Es sind weniger die Gewaltdarstellungen an sich sondern der Umgang damit, denn anders als beispielsweise Quentin Tarantino weiß Vaughn seine Exzesse in keinerlei Kontext zu setzen.

Wer moderne Actionfilme wegen ihrer Nichtachtung menschlichen Lebens kritisiert, der wird in der Welt von Mark Millar wie auch ihrer filmischen Interpretationen keine Freude haben, auch wenn alles unter dem Deckmantel der Parodie stattfindet. Die Frage ist nur, was genau parodiert werden soll, denn derartig explizite Gewalt gehörte nie zum Fundus der James Bond-Filme, die materialbedingt das Hauptangriffsziel von Kingsman sind. Und selbst wenn man dies verzeihen mag – es ist einfach weder unterhaltsam noch witzig, manchmal ist es regelrecht unangenehm. So gibt es, zur primitiven Befriedigung, gegen Ende eine von Valentine initiierte weltweite gewalttätige Enthemmung und nur weil es dem Protagonisten beispielsweise gelingt, ein Kleinkind vor dem Zugriff seiner rasenden Mutter zu bewahren, bedeutet das nicht, dass in diesem Tumult nicht sehr viele unschuldige Menschen sterben. Im Dienste der seichten Unterhaltung wird also quasi der gesamte Erdball traumatisiert und anders als beispielsweise der (gute) Zombiefilm interessiert sich Kingsman nicht im Geringsten für die Auswirkungen. Viel wichtiger ist es, dass der Held von der schwedischen Kronprinzessin mit einer Analsex-Ausübungserlaubnis belohnt wird. WTF?!

So laviert sich der Film in erster Linie durch eine inhaltliche Ödnis, die erstaunlich ist. Mit Ausnahme einiger weniger visueller Zitate wird viel auf James Bond verwiesen, ohne auch nur einmal das charmante Moment zu erreichen, wenn Daniel Craig sich in Casino Royale nicht für die Zubereitung des berühmten Martinis interessiert. Ansonsten gibt es die Genrestandardsituationen, die kaum gebrochen werden. Interessant wird Kingsman nur, wenn Samuel L. Jackson mit sichtlicher Freude seinen lispelnden Schurken gibt, der zwar Menschen töten lässt, aber kein Blut sehen kann – nicht einmal sein eigenes. Ansonsten ist der Film trotz seines Bombasts seelenlos und dementsprechend wenig involvierend.

Zusammen mit den bereits erwähnten Elementen ergibt dies ein Konglomerat des Scheiterns, sowohl als Actionfilm wie als Komödie, zumal sich zu dem „coolen“ Zynismus auch noch eine entmündigende Haltung gegenüber den Menschen offenbart, die nicht zu dem reichlich verkommenden System „Kingsmen“ gehören. Wie erwähnt, die Menschen werden traumatisiert, aber am Ende zählt ausschließlich die Psyche der Elite, repräsentiert durch den protegierten Eggsy. Da hilft es auch nicht, wenn man vorher Korruption und Egoismus der herrschenden Eliten buchstäblich in die Luft sprengt. So taugt Kingsman auch nicht als Anstoß eines politischen Diskurses, weil er, anders als beispielsweise der ebenfalls dem Comic entsprungene V wie Vendetta, sich jenseits der affektiven Ebene nicht für Politik interessiert. In einer Welt, in der gerade der satirische Blick auf den glorifizierenden Agentenfilm viel Material anbietet, ist Kingsman schlicht zu kurz gegriffen.

Höhere Gewalt (2014)

HÖHERE GEWALT

(Turist)

Schweden/Frankreich/Norwegen/Dänemark 2014

Dt. Erstaufführung: 20.11.2014

Regie: Ruben Östlund

Die kontrollierte Lawine bewegt sich rasend gen Tal, von der Terrasse des Bergrestaurants hat man einen Panormablick auf das von Menschen inszenierte „Natur“schauspiel. Doch die Lawine erweckt schnell den Eindruck, dass sie außer Kontrolle geraten ist. Die Kinder der schwedischen Familie, die sich zum Mittagessen auf der Terrasse eingefunden hat, beginnen panisch zu werden, auch die Eltern reagieren innerhalb von Sekunden weit weniger selbstsicher als noch Augenblicke zuvor. Als die Schneemassen scheinbar unmittelbar davor stehen, die Menschen zu begraben, schnappt sich der Familienvater Tomas (Johannes Bah Kuhnke) Handschuhe und Mobiltelefon und rennt um sein Leben – seine Frau Ebba (Lisa Loven Kongsli) und die Kinder Harry (Vincent Wettergren) und Vera (Clara Wettergren) zurücklassend. Als kurz darauf klar wird, dass lediglich etwas Schneestaub das Restaurant eingenebelt hat, kehrt er zurück und setzt sich wieder an den Tisch zu seiner Familie, so, als wäre nichts gewesen.

Dies ist die Schlüsselszene von Höhere Gewalt, ein an sich filmisches Kleinod, eine perfekt inszenierte Momentaufnahme von großer Wucht und genau dem sozialen Zündstoff, mit dem sich der Film in der Folge beschäftigen möchte. Einzig, es fehlt ihm an wahrer Zündkraft, denn unter der fast schon gespenstisch ruhigen Inszenierung und den dazu passenden Bildern von zusammenbrechenden Familienglück und geradezu verzweifelten Naturbeherrschungsphantasien zementiert Höhere Gewalt eher Klischees durch den kleinsten gemeinsamen Nenner anstatt sich auf wirklich interessantes Terrain zu wagen. Der Film denkt entschieden zu kurz.

Nach der Sache mit der Lawine versucht die Touristenfamilie zunächst, den schönen Schein zu wahren, es gibt mehrere halbherzige Versuche der Ehepartner, das Geschehene aufzuarbeiten, der Mann versucht sich herauszureden, seine Frau möchte die Sache gern ausführlich mit Freunden besprechen. Langsam beginnt die gutbürgerliche Fassade zu bröckeln, was den Film aber nirgends hinführt. Die Prämisse ist grandios, doch spürt man stets, wie viel mehr in Höhere Gewalt drin gewesen wäre. Es ist immer frustrierend, dem Film nachzutrauern, den es nicht gibt anstatt sich auf das zu konzentrieren, was geboten wird, aber Regisseur Ruben Östlund stolpert so eklatant bei den wichtigsten Aspekten – der Figurenzeichnung und einem stimmigen Drehbuch, dass einer Analyse standhält – dass man kaum umhin kommt, dies zu tun.

Sein Protagonist ist ein Mann der Mittelklasse ohne Eigenschaften und jegliches Profil. Man erfährt nichts über sein Leben vor dem Urlaub, generisch wird einmal von „zu viel Arbeit“, ein anderes Mal von einer außerehelichen Affäre gesprochen, ansonsten bleibt er blass. Das Aufgeben der Familie fällt auf keinen fruchtbaren Boden, egal wie superb die Szene darüber hinaus inszeniert ist. Die Dekonstruktion von Männlichkeit, um die es Östlund geht (und darum, die Scheidungsraten zu erhöhen, wie er in einem leicht kruden Interview freimütig erläutert), findet ein leicht angreifbares Opfer. Dieser Mann war in seiner uninteressanten Schwäche augenscheinlich schon immer wenig zuverlässig, so will es der Film zumindest suggerieren. Tomas ist wie der Bomberjacken-Neonazi im deutschen Kino: leicht zu identifizieren, leicht zum abarbeiten, die womöglich gravierenderen (und vor allem zeitgemäßeren) Probleme völlig außer Acht lassend. Wäre der liebende, fürsorgliche und umsichtige Ehemann, der in der Ausgangssituation dann so handelt, nicht sehr viel interessanter? Die Wirkmacht von archaischen Männlichkeitsidealen bis in die moderne Paarbeziehung hinein, die damit einhergehende Sinnkrise des modernen Mannes, die intrafamiliäre Auseinandersetzung – eine potentere Variante von Höhere Gewalt schreibt sich quasi von selbst. Doch Östlund entscheidet sich unisono für den Weg des geringsten Widerstands und des einfachsten Drehbuchs. Unweigerlich wird man an den weitaus durchdachteren The Loneliest Planet von Julia Loktev erinnert, in dem die Regisseurin durch eine Fülle von Details mehr über ihre Figuren, ihre Dynamiken und die emotionalen wie sozialen Wirkmechanismen erzählt als es Östlund mit seinen teilweise sehr plakativ dahingeklatschten Platzhaltern tut. Es ist bemerkenswert, wie sehr sich die Filme im Ansatz ähneln, wie sehr ihnen gleiche Überlegungen zugrunde liegen und wie unterschiedlich die Ergebnisse sind. Es ist vielleicht zu wenig, um nach dem Plagiat zu schreien, aber es fällt auch ins Auge, wie sehr sich die Filme bis zur künstlerischen Gestaltung (Stichwort Musik) ähneln.

Der Mann als Schwächling, die Frau als gefühlskalte Rechthaberin (die Szene, in der sie die Panik ihrer Kinder ob des sich im Zimmers befindlichen Reinigungspersonals ignoriert ist nicht ganz so intensiv wie die Lawinensequenz, wohl aber genauso bezeichnend), die Kinder als vom Drehbuch ziemlich negierte Handlungsspielbälle (ja, ich weiß, ein „Kommentar“ zur über allem schwebenden Scheidungsthematik) – Höhere Gewalt fährt schwere Geschütze auf, um dann unfokussiert in der Gegend herumzuballern, interessiert sich aber auch nicht wirklich für seine Figuren oder deren Konflikte. Es gibt Szenen von unglaublicher Sprengkraft, etwas wenn Tomas seine Flucht vehement verneint, nur um dann durch einen „Videobeweis“ überführt zu werden, die aber aufgrund der bereits genannten Punkte nicht ihre volle Wirkung entfalten. So dekonstruiert Östlund weit weniger, als er uns weiß machen will, weil er einfach mit Augenbinde Hiebe in alle Richtungen verteilt, anstatt gezielte Treffer zu landen. Das Unglück trifft teilnahmslose Langeweiler, wen soll es also kümmern? Östlund vermeidet nicht nur gezielte Hiebe, er hat auch ein reichlich unterentwickeltes Verständnis von Paarbeziehungen. Die massive Sprachlosigkeit, die auch The Loneliest Planet nicht immer gut zu Gesicht stand, wirkt einmal mehr derartig überzogen, dass man sich fragt, ob der Regisseur überhaupt schon mal eine längere Beziehung geführt hat (auch hier gibt ein Interview partielle Auskunft: er lebt allein als „perfekter Konsument“ – nun gut). Wirkliche, nachvollziehbare Emotionen gibt es bei Östlund nicht, weil er seinen Figuren keine Tiefe zutraut und dem Zuschauer im Umkehrschluss ebenso nicht.

So führt auch dies nur weiter zur Quintessenz des ganzen Unterfangens: Figuren, sie sich im Endeffekt in ihren Rollen bestätigen (gerade auch durch das Ende, in dem ein „klassisches“ Heldentum wieder bestärkt und Ebba einmal mehr in die Rolle eines undankbaren Stereotyps gedrängt wird) wandeln durch einen Film, der sich selbst für sehr viel subversiver hält, als er ist. Es gibt tonnenweise Ansatzpunkte, die kaum genutzt werden, durchaus Momente von nicht wegzudiskutierender Schönheit und inszenatorischer Kraft, sehr viel Handwerkskunst und dadurch eben auch viel Diskussionsstoff. Die Sichtweisen auf den Film sind de facto interessanter als der Film selbst, der sich nicht traut, wirklich dorthin zu gehen, wo es weh tut. Höhere Gewalt könnte viel zum Geschlechterverhältnis, zum Stand moderner Ehen, zur „Krise der Männlichkeit“ sagen. Dass er es nicht tut, sondern dies nur oberflächlich behauptet, sollte ihm entschiedener angekreidet werden. Denn im Endeffekt ist es ein Rant ohne Fokus im Gewand eines ziemlich zahnlosen Papiertigers.